В отношениях государства и общества в Центральной Азии, как считает Диана Кудайбергенова, современное искусство выступает как альтернативный форум для дискуссий и критики. Диана Кудайбергенова много пишет на эту тему, фокусируясь на таких вопросах, как поиск национальной идентичности посредством искусства, воображаемая география и альтернативные взгляды на гендерные аспекты и власть, выраженные в искусстве Центральной Азии. В этом интервью она обсуждает некоторые «смелые попытки», которые художники в Центральной Азии сегодня пытаются предпринять для постановки этих проблем и осмысления дискуссии о власти и представительстве.
Доктор Диана Т. Кудайбергенова – политический и культурный социолог, работающий над социальной теорией власти, темами национализма, права и элиты в сравнительной и исторической перспективе.
Ее первая книга «Rewriting the Nation in Modern Kazakh literature (Переписывание нации в современной казахской литературе» (Лексингтон, 2017) посвящена изучению национализма, модернизации и культурного развития в современном Казахстане, и ее будущая книга посвящена росту националистических режимов на постсоветском пространстве после 1991 года. Она завершает свою третью книгу о власти, состоянии и сопротивлении в современном искусстве постсоветской сферы.
Ее статьи публиковались в таких журналах, как Nationalities Papers, Central Asian Affairs, European Journal of Cultural Studies и Journal of Eurasian Studies. Общий подход Кудайбергеновой к изучению власти также отражен в ее нынешнем двухлетнем проекте по Крыму.
Что представляет современное искусство в Центральной Азии сегодня? Каковы общие черты и поразительные различия (конечно, при всем многообразии художественных выражений, методов, тем и форм финансовой поддержки)?
Современное искусство в Центральной Азии является отражением проблем, с которыми сталкивается каждое общество, и попыткой диалога по этим вопросам. Кто мы? Куда мы идем? Пройден ли переходный период? Как мы будем защищать права наших людей? Все эти вопросы находят ответы в работах местных современных художников. Для многих художников «современное искусство» означает освобождение от государственного контроля и государственного финансирования, наступившее после распада Советского Союза, а также освобождение от цензуры и тоталитарных рамок производства. В современном искусстве существуют различные формы, выражения и темы, и каждый художник стремится найти фокус своей работы. Некоторые из них бросают вызов консервативным гендерным представлениям и моделям, в то время как другие исследуют архивы в поисках чего-то «подлинного», настоящего, несоветского.
Для многих художников «современное искусство» означает освобождение от госконтроля и госфинансирования, а также освобождение от цензуры и тоталитарных рамок производства
Сауле Сулейменова, например, первой стала изучать архивные фотографии 19-го века местного населения в Центральной Азии. Ее собственные поиски идентичности отразились в работах, где лица, одежда и рисунки со старинных фото размещены на фоне самых современных городских структур, окружающих ее ежедневно. Эти работы создают слои и сложные измерения прошлого, настоящего и будущего в качестве временных рамок, но также представляют слои памяти, истории и пережитого опыта в месте, называемом “современный Казахстан”.
Эти архивные «предки» вдруг появились из городских стен, ржавых гаражей или автобусных остановок. Вы можете попытаться увидеть «истинный» образ страны или нации, глядя в глубину этих слоев. Для меня работы Сулейменовой очень философские, потому что они отражают продолжающуюся одержимость поисками «подлинной» национальной идеи в Казахстане. Нахождение этой мистической идеи нации – главная цель политиков. Другими словами, хотя некоторые акторы продолжают говорить о «поиске» нации или национальной идеи, они, как правило, забывают, что это не их задача и что, возможно, это само по себе бесполезное упражнение. И никогда не выходит за рамки декларации, потому что для этого и предназначено. Сауле Сулейменова чувствует эту проблему на более глубоком уровне – все эти обещания не имеют смысла – и она критически ищет ответы на свои вопросы: «Что такое моя идентичность? Нужно ли она? Кто мы и куда мы идем? И, возможно, это более полезные вопросы, чем постоянное и растущее недоумение вокруг понятий «подлинность», «национальная идея», «вечная нация» и т. д. Художественная критика здесь сложна: она ставит под сомнение концептуальную концепцию «национальной идеи» в период после обретения независимости.
Другие художники также исследуют проблему идентичности. Это очень популярная тема, и современное искусство открывает много места для обсуждения этих вопросов.
Также идут очень сильные художественные дискуссии о власти и представительстве. Ключевым вопросом для многих художников является «Кто имеет право представлять нас?», и я приветствую их смелые попытки проблематизировать его и концептуализировать.
Я всегда подчеркиваю в своих работах, что в Центральной Азии современный художник имеет сильный голос и является мощным актором в социальных и культурных дискуссиях. Некоторые обсуждают силу традиций; другие комментируют гендерные роли в семьях, экономике или политике. И эти дебаты и размышления находят зрителей гораздо быстрее, чем монотонные лозунги или длинные многословные программы. Это еще одна важная общность для художников Центральной Азии: они находят аудиторию и поддержку.
В Центральной Азии нет сильных местных рынков для современного искусства и государство пока не занимается его институционализацией. Таким образом, современное искусство не является ни элитарным, ни недоступным; напротив, оно является общественным и открытым для ведения дискуссии с большой аудиторией. В большинстве галерей современного искусства вход бесплатный, а билеты в государственные музеи, где иногда экспонируется современное искусство, не слишком дороги (например, менее 2 долларов США в Астане). Также растет интерес к объединению творческих пространств с другими видами деятельности – публичными лекциями, бесплатными дискуссиями, интерактивными лекциями, показом фильмов и даже мероприятиями для детей, чтобы поощрять большее участие.
Современные художники сами стремятся взаимодействовать со своей аудиторией. В социальных сетях есть несколько групп и сетей, и художники поощряют людей к участию в дискуссиях, к диалогу с ними. Мы видим большой бум в развитии современного искусства во всем регионе, а не только в крупных городах или отдельных кругах.
В Бухаре, Ташкенте, Алматы, Шымкенте, Караганде, Астане, Душанбе, Бишкеке, а также в Ашхабаде и Туркменабате среди множества других мест сегодня работают фантастические художники.
Какие сети появляются между художниками? И как они поддерживаются?
Поскольку художники невероятно открыты для дискуссий, среди них существует множество сетей и групп. В области современного искусства большинство художников и специалистов хорошо знают друг друга или, по крайней мере, знают контекст, в котором работают другие. Когда появляются новые имена, и их работы появляются на групповых выставках, сообщество пытается лучше узнать их и распространять о них информацию. Я часто сталкивалась с этим явлением во время моих интервью и обсуждений с художниками. Иногда некоторые художники говорят мне: «Вы видели этого нового художника? Видели ли вы, насколько интересны его или ее работа?» Если я планирую встречу с художником, этот художник часто советует мне: «Вы также должны поговорить с этим новым художником, который очень талантлив». Таким образом, даже посторонние извлекают выгоду из этой взаимосвязи в современном искусстве – «тусовки», как это называют некоторые художники.
Существуют также различные группы в более широкой сообществе тех, кто идентифицирует себя как принадлежащих к области современного искусства Центральной Азии. Интересно, что эти группы не формируются на основе гражданства или страны проживания, а скорее ориентированы на общие интересы, симпатии и общие ценности, жанры или формы. Я часто вижусь с художниками из Кыргызстана, Таджикистана, Казахстана, Узбекистана, России, Туркменистана, Франции, Италии, и быстро нахожу общий язык искусства, будь то вечеринка в горах, чья-то студия, выставочный зал, независимая галерея или просто на дороге. Местоположения, паспорта, языки и диалекты не имеют значения для этой сети людей. Художники по всему региону уже давно стирают границы и отделы, Интернет соединяет людей из ближнего и дальнего мира быстрой связью, и, самое главное, художественное производство – это клей, который объединяет это великое сообщество и держит его крепко.
Можем ли мы сказать, что современное искусство вышло за рамки социального реализма, перестройки и независимости на новый (миллениал) этап?
Да, конечно. Искусство связано с обществом, из которого оно возникает и в котором действует. Следовательно, поскольку оба проходят периоды развития и трансформации, искусство и общество постоянно влияют друг на друга. Но мы, как исследователи, склонны больше сосредотачиваться на преобразованиях на социальном, политическом и экономическом уровнях, а затем только на культурном развитии.
Вопрос о том, какие изменения происходят в искусстве с течением времени и что является очень важным. В своей работе по современному искусству в Центральной Азии я начинаю обсуждение с середины 1980-х годов с появлением перестройки и структурных изменений в странах Центральной Азии с 1986 года. Это тот период, когда большинство моих нынешних респондентов прошли разные этапы того, что они называют «культурным пробуждением», понимая, что советская пропаганда фальшива, то, что государство рассказывало людям, было неправдой и что они все время жили во лжи. (Я пишу об этом в своей статье Punk Shamanism, Revolt and Break Up of Traditional Linkage: The Waves of Cultural Production in Postsocialist Kazakhstan, «Панк-шаманизм, восстание и разрыв традиционной привязанности: волны культурного производства в постсоциалистическом Казахстане», опубликованной в Европейском журнале культурных исследований.) В этот период появилось много подпольных движений в разных частях Центральной Азии и по всему Советскому Союзу. Большинство из этих движений были сформированы нонконформистскими молодыми людьми, которые искали альтернативную истину, альтернативную эстетику, альтернативную идентичность.
Подпольные или несогласные движения в истории региона возникали не в первый раз, и определенно не в первый раз появлялись альтернативные формы искусства и эксперименты. Тем не менее, я обнаружила в своих исследованиях, что это был решающий момент для появления «современного искусства» как совершенно нового концептуального инструмента, отражающего «современность» и откровенно бунтующего против доминирующей формы искусства. Когда эти группы художников начали бунтовать против канона социалистического реализма в разных частях Центральной Азии, они неизбежно также восставали против политического порядка того, как все должно быть сделано – и, следовательно, они восставали против своего положения и самосознания как советских граждан. Это был как коллективный опыт участия в этом движении, так и индивидуальная и частная трансформация в новый тип художника, который каждый из моих респондентов помнит по-разному. Многие оказались потерянными и искали свой смысл далеко от своих домов; другие вернулись к традиционным ремеслам и материалам, чтобы найти забытые знания, и тем самым избавиться от культурной амнезии.
Все эти встречи были интенсивными практиками, которыми затем делились и которые обсуждались с публикой, как местной, так и иностранной. Многие из этих практик и работ были концептуализированы самими художниками, а также кураторами и искусствоведами. Тем не менее, немного осталось запечатлено в публичных библиотеках или широком обращении; первая волна современного искусства в регионе все еще хранится в частных библиотеках и устных историях, которые я в настоящее время пытаюсь собрать и объединить.
Я помню, как во время интервью с одним художником в Алматы он упомянул одну из первых выставок современного искусства, которую он видел в Москве в 1990 году. Он рассказал об этом событии, дал адрес галереи и обсудил некоторые из работ, которые оказали большое влияние на него. Его память об этих чувствах была очевидна во время интервью, но мне не хватало дополнительной информации о выставке, пока я случайно не нашла один из немногих оставшихся каталогов с этой московской выставки во время поиска в библиотеке Кембриджского университета в West Room. Это долгая история, но нам не разрешено брать книги из этой коллекции, можно было только изучать все эти редкие книги в комнате. Я была поражена, когда нашла тот же адрес и дату, и те работы, которые оказали такое большое влияние на художника, с котором я говорила. Или иногда во время интервью мне говорят: «Иди, загляни в нашу домашнюю библиотеку», и я случайно нахожу именно тот каталог, фотографию или книгу, которые ищу. Всегда кажется, что нужно собирать недостающие части головоломки.
Есть ряд исключительно хороших работ по современному искусству в Центральной Азии на сегодняшний день. Среди них работа художника и антрополога Жанары Наурызбаевой, которая вдохновила многие мои исследовательские вопросы. Есть статьи местных кураторов и педагогов, например, Юлии Сорокиной, а также сборник статей 2011 года, написанных Валерией Ибраевой.
Но, на мой взгляд, есть еще много частей этой головоломки, которые нам нужно исследовать, записывать и анализировать.
Я бы не сказала, что поиск пост-постсоветского уже завершен. Мои наблюдения и интервью с художниками показывают, что, когда появляются новые поколения современных художников, многие из них по-прежнему заинтересованы в подобных проблемах поиска «Я». Как я уже упоминала, искусство и общество тесно взаимосвязаны и отражают друг друга; если общество все еще сталкивается с теми же проблемами, что и в конце 1980-х годов, или если некоторые проблемы были усугублены переходным периодом в 90-е годы, эти проблемы будут отражены современными художниками. Ключевой темой здесь является само Время и то, как мы реагируем на время – как мы рассматриваем и понимаем прошлое, нашу историю, традиции? Одной из моих любимых тем является то, как новые официальные артисты, спонсируемые государством, пытаются осмыслить прошлое, сделав его очень современным. Я имею в виду, что они сосредоточены на изображении девятнадцатого века в ярких оттенках цветов, которые появились только десять лет назад, или они представляют себе великих предков в текстиле и тканях, столь современных, что линия между прошлым и настоящим полностью размыта. Наше воображение прошлого неизбежно ограничивается тем, что мы знаем об этом в настоящем, и тем, с чем мы можем работать в настоящее время.
Одной из моих любимых тем является то, как новые официальные артисты, спонсируемые государством, пытаются осмыслить прошлое, сделав его очень современным
Конечно, можно попытаться создать работы с материалами, доступными мастерам девятнадцатого века – можно даже попытаться концептуализировать это искусство за рамки простой “сувенир-изации” (понятие, используемое Алмагуль Менлибаевой) или подражания, но это не сделает его более “древним”; он все равно будет сделан в настоящем. Все современные художники, с которыми я беседовала, полностью осознают эту постоянную репликацию и ограничения, поэтому, когда они вглядываются в юрту, это юрта 21 века глобализированного кочевника, который носит одежду из узбекского хлопка, но сшитую в Китае и купленную на базаре Дордой в Бишкеке или завезенную в местную барахолку в соседнем городе. Для современных художников нет ничего плохого в том, чтобы сосредоточиться на сегодняшнести и современности людей, играющих в «древнюю» игру кокпар, одетых в поддельные спортивные костюмы D & G (см. серию Саида Атабекова «Мы из Шымкента»), или оперировать дроном с адыраспанской травой в процессе древнего ритуала защиты от сглаза главного здания Астаны Экспо (см. видеоарт Анвара Мусрепова). Но для многих официальных художников, спонсируемых госзаказом (новая форма социалистического реализма и государственной пропаганды), объективация прошлого и настоящего важнее проблематизации. Они считают необходимым дать ту единственную истинную картину того, что произошло до колонизации, от того, как выглядели кочевые правители, до того, как распределялись лошади.
Я не хочу сказать, что это хорошо или плохо, правильно или неправильно, и поверьте мне, я одна из самых больших поклонников памятников, включая лошадей, – я изучаю их очень подробно в каждом городе и городе, куда я еду, и у меня есть довольно солидная коллекция фотографий лошадей.
Я не искусствовед, чтобы судить об этих методах; напротив, я культурный социолог, стремящийся стать их частью, чтобы лучше понять, как они возникают и почему. Меня очаровывает эта одержимость подлинностью и временем, эта настойчивость в том, чтобы все выглядело и говорилось так, как будто бы это было в девятнадцатом или восемнадцатом веке, и как все это можно сочетать с новыми технологиями, развитием городов и глобализацией. Недавно я увидела и была очарована старым среднеазиатским ковром, на котором изображен Александр Пушкин. Ковер был сделан в старой технике и экспонировался в музее, размещенном в медресе девятнадцатого века, чтобы продемонстрировать непрерывность местных традиций во времени. Для меня это также прекрасный пример современного искусства, хотя он, вероятно, не позиционируется как таковой. Ковер, вероятно, был изготовлен в 1950-х годах и выставлен в его нынешнем виде и нынешнем месте только двадцать или тридцать лет назад. Он современен, потому что он отражает сложные слои нынешней социальной ситуации.
Сейчас я лично вижу большое разнообразие различных потоков, движений, восприятий и школ мысли в искусстве Центральной Азии: некоторые из них все еще застряли в социалистическом реализме, другие мутировали в более поздние формы, третьи – совершенно неожиданны и, возможно, сами не осознают, насколько они современные и концептуальные. И, конечно же, есть пласт, четко позиционирующий современное и независимое (от государства) искусство, которое исследует всевозможные направления. В моем собственном анализе и предстоящей книге я определяю время, идентичность, государство и само Я как четыре основные темы, а не этапы современного искусства в этом регионе в настоящее время.
Каких художников вы хотели бы выделить и почему?
Я признаю всех современных художников за их храбрость и талант. У них есть все, что нужно, чтобы встать и выразить свой голос – точку зрения – несмотря на всевозможные страхи, неуверенность в себе и отсутствие финансирования. У них также достаточно сил, чтобы продолжать делать это на протяжении всех этих лет после обретения независимости. Они задают вопросы, которые не так много других людей способны ставить открыто, и они предлагают платформу для обсуждения, в которой каждый может участвовать. В отсутствие музеев современного искусства или в отсутствие разрешения на выставку в государственных музеях они не сдаются, вместо этого превращая свои дома в встречи и используя открытые пространства, такие как ботанические сады, парки, общественные площади и бульвары для открытых общественных выставок. Благодаря этим действиям они изменяют парадигму того, как люди думают – они вдохновляют много людей.
На протяжении всей моей многолетней полевой работы и интервью с художниками в регионе для меня очевидно, что они являются истинным гражданским обществом – они создают это пространство для плюрализма, критической мысли и открытых дискуссий, и это действительно важно.
Хотя у некоторых людей может возникнуть соблазн создать списки самых радикальных, важных, талантливых, критических или успешных художников, я считаю, что это создает ненужную иерархию. На мой взгляд, вы можете найти невероятные таланты и критическую концептуализацию в произведениях любого современного художника, и все они заслуживают того, чтобы их узнавали, слышали и праздновали. Я действительно надеюсь, что мир услышит больше имен и вскоре увидит отличные современные произведения искусства, появившиеся в этом регионе, и что все художники будут представлены более широко.
Как они относятся к общественными потребностям – к политике? Почему многие сосредотачиваются на проблемах окружающей среды? Является ли это более безопасным вопросом, где они могут выражать гнев или другие эмоции?
Художники, с которыми я беседую, согласны с тем, что если кто-то попадает в область современного искусства, а не в любую другую область или жанр (например, прикладное искусство, декоративное – «красивое», или официальное, государственное искусство), то это означает, что художник также выбрал для себя особую роль, и эта роль является социально ответственной. Многие художники, с которыми я беседую, также говорят о «критическом искусстве» и «значимом искусстве», что означает, что их художественный продукт должен поднять определенные социальные вопросы, социальные проблемы, дебаты и дискуссии. Есть место для очень частных личных поисков, которые могут быть интерпретированы различными аудиториями по-разному, но сила интерпретации не является чем-то, что волнует многих художников. Я говорила с людьми, которые заявляли, что им все равно, как воспринимается их искусство. Часто у них были разные представления о том, что и зачем они пытались создать, от того, что зрители подхватили с помощью прикладных и совместных изучений, и художники были очень счастливы, что конечный продукт был чем-то совершенно неожиданным. Поскольку производство искусства является довольно свободным пространством выражения, художники не боятся изучать темы, которые, по их мнению, важны для них и для их общества.
Каковы отношения художников с государством, особенно в таких богатых странах, как Казахстан или Азербайджан? Участвуют ли они в спонсируемых государством праздниках суверенитета, идентичности и т.д. (таких как «Экспо Астана» и другие проекты)?
Это очень хороший вопрос. Я работаю с «государственной» концепцией с университетских времен (давным-давно), но я никогда не встречала более сложной в этом плане задачи, как определение и анализ того, как независимое искусство и художники, не опирающиеся на государственное финансирование, понимают, визуализируют и реагируют на «государство».
В моей предстоящей книге это основная задача: определить и понять, как негосударственные субъекты «видят» и выступают против государства. Во многих случаях государство также хочет присвоить себе художников и их символический капитал. Эта тенденция наблюдается не только в таких странах, как Азербайджан или Казахстан, но и (все чаще) в Узбекистане.
Под «присвоением» я не имею в виду, что государство или государственная бюрократия напрямую просит известного современного художника подготовить проект под названием «25 лет независимости» или что-то в этом роде, хотя я думаю, что на самом деле это был бы крутой эксперимент, если художнику была предоставлена полная свобода его концептуализации.
Эта взаимосвязь не всегда проста. Многим современным художникам предлагается участвовать в крупных «официальных» выставках, их приглашают в государственные музеи, и в этом нет ничего плохого. Напротив, это хорошая отправная точка для диалога, если есть баланс в отношениях власти и не существует строгой цензуры. Есть тысячи оттенков этой цензуры, в том числе собственные страхи художника и самоцензура, и это оказывает очень негативное влияние на конечный продукт.
Что необходимо художникам, чтобы стать более заметными: деньги, выставки, лаборатории, сети?
Недавно я вернулась из поездки в Узбекистан, где встречалась с некоторыми старыми друзьями, с которыми я разговаривала шесть или семь лет назад, а также с новыми респондентами: талантливыми фотографами, молодыми музыкантами и художниками, режиссерами, потрясающими людьми. Весь этот опыт был саморефлексивным путешествием для меня тоже, как начинаюшего писателя из региона, который и мне предстоит заново открыть. Но самое главное, во время этой поездки из Куня-Ургенча в Туркменистане в Нукус, Хиву, Ургенч, Ташкент, Самарканд и Бухару (настоящий Шелковый путь) я только укрепилась в своих мыслях по поводу того, существуют эти сети и группы людей.
Есть много независимых выставочных залов, мест и галерей. Лично для меня всегда приятно входить в музей современного искусства и посещать его в течение нескольких дней, чтобы думать, писать, изучать и анализировать. Например, мне очень понравилось, как был восстановлен Музей Савицкого в Нукусе, и как они переместили большую часть коллекции в новое здание с лучшим светом и большим пространством. Но это мое личное мнение. Некоторые художники предпочитают другие пространства и инструменты воздействия, которые менее структурированы, менее доминирующи и более открыты. Технически, искусство повсюду, и нам это напоминают все время: когда кто-то рядом с нами фотографирует, когда художник видит что-то необычное в повседневной жизни, которое мы можем не видеть. А чтобы быть заметными? Да, было бы неплохо иметь больше каталогов, встреч, мероприятий, финансирования всех этих событий, где не только отображаются произведения искусства, но и аудитория также имеет возможность услышать художника и общаться с ним. Центральноазиатские художники могут многое сказать, и я очень надеюсь, что у нас будет больше возможностей выслушать их.
